Publishing

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 藤岡亜弥『川はゆく』
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  Book Design:松本久木

  発行:赤々舎

  Size:
H252mm × W187mm
  Page:240 pages
  Binding:Softcover with slipcase

  Published in July 2017
  ISBN:
978-4-86541-064-8
¥ 6,000+tax 

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About Book


 第43回 木村伊兵衛写真賞 受賞作   戦後80年──待望の重版!


7本の川が流れる街、広島。そのデルタ地帯に原爆を落とされてから、70年以上の時間が経過した。
「平和」が記号化し、風俗となってゆく街。眼差されるほどに空洞化してゆく原爆ドーム。
それらを背景としながら立ち現れる光景に、写真家の、スナップを撮る無意識は接続した。

自らも広島の川べりに生活しながら、写真家は、歴史といま、社会と個人の関わりを、写真のなかに、瞬間のなかに発見していく。
ひとの貌のなかに現れる風景。風景のなかに揺らめく生気。「ヒロシマ」から解き放たれたこの街は、どのような時空なのか。
ときに逆行し、渦を巻き、決して直線的ではない、不可知の流れ。
永遠に新しい一瞬は、写真のなかに、私たちのなかに流れている。

(2025年9月重版出来/2017年初版当時の価格より改定となりました)



川は血のように流れている
血は川のように流れている



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Here Goes River

Aya Fujioka


On a delta cradled in a valley through which seven rivers flow sits the city of Hiroshima. A bustling port town prior to World War 2, the atomic bomb dropped by America on August 6th, 1945 in flash rendered the landscape into a mass of ash, rubble, and death. The rivers however, remained. These ribbons of water cut through the irradiated desolation as they silently flowed into the sea.  The attack and its aftermath, the modern defining moment of the Hiroshima's history, continues to inform and affect the city, one since reborn as a symbol of the possibility of peace arising from the destruction of war.  


Photographic investigations and stories regarding the effects of the attack have been instigated by a variety of photographers over the past seventy years.  Here Goes River  by Aya Fujioka is an addition to this theme. A native of Hiroshima, her work stands separate from traditional rote photojournalism by way of a sensitivity in which only the eyes and lens of one who was raised in such a place can demonstrate.  Fujioka's snapshot approach concerns itself less with morals or instruction for the future as it does suggest the elements of the city which reverberate its past in the present. Images of life, remembrance, mundane modernity, and innocence orbit the Atomic Bomb Dome- a structure and totem which acts as the nucleus of the series.  All the while, the seven rivers flow through the pictures.  Fujioka also evokes other rivers in her city- rivers of humanity in forms of tourists, of citizens, of shopping arcades, of Hiroshima's web of trolley cars in which its citizens ride. Her rivers are a flow of connections between individuals, society, of life and death. The resulting book is a moving river of moments, of photographs.





Related Exhibitions



藤岡亜弥 個展「Life Studies


会期:2025年 9月26日(金)~11月8日(土) 

時間:10:00~18:00

会場:KOSHA KOSHA AKIHABARA(東京都千代田区東神田3-2-3 写真弘社5F)

休廊:日、月


関連イベント:

藤岡亜弥 × 姫野希美 

2025年9月27日 (土) 15:00~

藤岡亜弥 × 畠山直哉

2025年10月17日 (金) 18:00~

 






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藤岡亜弥 出展

「東京都写真美術館 総合開館30周年記念

作家の現在 これまでとこれから


会期:2025年10月15日(水)~2026年1月25日(日)

時間:10:00~18:00(木・金は20:00まで)

会場:東京都写真美術館

休館:月曜(祝休日の場合は開館し、翌平日休館)、年末年始

 













Artist Information


藤岡 亜弥

1972年広島県生まれ。 日本大学芸術学部写真学科卒業。 台湾師範大学語学中心留学。2007 年文化庁派遣海外留学生としてニューヨークに滞在。2012 年に帰国後、2024年まで広島で制作活動を行う。主な作品に「さよならを教えて」「離愁」「私は眠らない」「川はゆく」「アヤ子江古田気分/ my life as a dog」「Life Studies」などがある。
エストニア、フィンランド、イギリス、フランス、スロバキア、ハンガリーなどを巡る1年半に及んだ旅の様々な出会いや経験をもとに制作した作品「さよならを教えて」により2004年にビジュアルアーツフォトアワードを受賞。2010年 「私は眠らない」で日本写真協会新人賞を受賞。終戦後70年が経過した広島のいまをとらえた「川はゆく」で 2016年度第 41 回伊奈信男賞受賞。2018 年林忠彦賞、木村伊兵衛写真賞受賞。
サンフランシスコ近代美術館、金沢21世紀美術館、東広島市美術館に作品が収蔵されている。



Aya Fujioka 


Born in 1972 in Hiroshima Prefecture, Fujioka graduated from the Department of Photography at Nihon University College of Art in 1994. She later studied at the Mandarin Training Center of National Taiwan Normal University.
In 2007, she traveled to New York for further studies supported by the Japanese Agency for Cultural Affairs. After returning to Japan in 2012, she was based in Hiroshima for several years.
Her major works include Comment te dire adieu, saudade, "I Don't Sleep", "Here Goes River", "Ayako Ekoda-kibun / My Life as a Dog", and Life Studies.
Inspired by encounters in Taiwan, she embarked on an 18-month journey across Estonia, Finland, the UK, France, Slovakia, and Hungary. Drawing from these diverse experiences, she produced Comment te dire adieu, which received the Visual Arts Photo Award in 2004. Her work "I Don' t Sleep" was awarded the Photographic Society of Japan Newcomer' s Award in 2010.
"Here Goes River" , a work capturing present-day Hiroshima more than 70 years after the war, won the Ina Nobuo Award in 2016, as well as the Tadahiko Hayashi Award and the Kimura Ihei Photography Award in 2018.


Public Collection: 

San Francisco Museum of Modern Art
21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa
Higashi-Hiroshima Art Museum




Related Items


藤岡亜弥
『Life Studies』
(10月刊行/Coming Soon)

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(Out Of Stock)

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竹内万里子
『矛盾の海へ』
(Coming Soon)

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 上田義彦『林檎の木
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  Book Design:葛西薫
  
  発行:赤々舎

  Size: H152mm × W128 mm
  Page:38 pages
  Binding:Softcover
 

  Published in December  2017
  ISBN:978-4-86541-078-5 


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About Book



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林檎の木、重版出来!


写真家 上田義彦が、あるとき偶然に出会った、林檎の木。

一瞬で目を奪われ、車窓から衝動的に撮影した後、「また撮りたい」という強い想いが残ったという林檎の木を、数年後、上田は同じ村を訪れ、同じ季節に、再び撮影しました。そして、その木は、その村で一番古い林檎の木だったと言います。

8×10のカメラ越しに「眼が歓び」、「身体全体に歓びがわきあがった」という撮影時から、ぎゅっと縮小されたサイズのイメージには、生命力を放つ林檎の赤い実の反射や、その充満する光の中でシャッターを切った瞬間の「親密な距離」が感じられます。

そこには、生命力や、その木が経て来た歳月、そしてそこに出会えたという上田の高揚した気分までもが、林檎の木という被写体を通して、写しとられていることでしょう。

デザイナー葛西薫による、しなやかな造本デザインも、なつかしさとあたらしさをたたえています。

親密で、風通し良く、手の平にすっとなじむような一冊です。 (2025年9月  第2版)





Apple tree  

Yoshihiko Ueda 


One day, photographer Yoshihiko Ueda happened upon an apple tree.

Captivated in an instant, he photographed it impulsively from his car window, yet was left with the strong desire to return. Several years later, he revisited the same village in the same season to photograph it once again. The tree, he later learned, was the oldest apple tree in the village.

Photographed with his 8×10 camera, Ueda recalls how "my eyes rejoiced" and "pleasure welled up to fill my whole body." These large-format images, distilled into the book's intimate scale, convey both the vitality of the tree--its glowing red fruit shimmering with light--and the closeness of the moment when the shutter was released.

Apple Tree captures not only the life force and passage of time embodied in the tree, but also Ueda's exhilaration at encountering it.

The book's supple design by Kaoru Kasai carries a quiet sense of both nostalgia and freshness. A warm and inviting volume, it rests naturally in the hand.




I had gone to do some business five or six years ago in the village of Kawaba, deep in the mountains of Gunma,

when from the taxi window I suddenly spotted an apple tree laden with rosy red fruit.

The sight of that tree remained etched on my mind for years afterward.

Last autumn, I finally found myself standing under it, lit by the warm light of the sun.

Before I knew it, I was reeling off shots as if in a dream.


(Yoshihiko Ueda)




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Artist Information


上田義彦 


1957年生まれ、兵庫県出身。写真家、多摩美術大学教授。福田匡伸・有田泰而に師事。1982年に写真家として独立。以来、透徹した自身の美学のもと、さまざまな被写体に向き合う。ポートレート、静物、風景、 建築、パフォーマンスなど、カテゴリーを超越した作品は国内外で高い評価を得る。またエディトリアル ワークをきっかけに、広告写真やコマーシャルフィルムなどを数多く手がけ、東京ADC 賞最高賞、ニューヨークADC賞、カンヌグラフィック銀賞はじめ、国内外の様々な賞を受賞。

2011年に自身のスペースGallery 916を主宰。2014年日本写真協会作家賞を受賞。また、初めて監督、脚本、撮影を務め2021年に公開された、映画『椿の庭』は大きな反響を呼び、映画監督としての仕事も注目されている。


作家活動は独立当初から継続し、2023年までに40冊の写真集を刊行。主な写真集に『QUINAULT』(青幻舎、1993年)、『AMAGATSU』(光琳社出版、1995年)、『at Home』(リトル・モア、2006年)、『Materia』(求龍堂、2012年)、『A Life with Camera』(羽鳥書店、2015年)、『FOREST 印象と記憶 1989-2017』(青幻舎、2018年)、『椿の庭』(赤々舎、2020年)、『Māter』(赤々舎、2022年)、『いつでも夢を』(赤々舎、2023年)などがある。

主な個展に「上田義彦『Photographs』」(東京都写真美術館、2003年)、「Chamber of Curiosities」(東京大学総合研究博物館、2006年/国立台湾芸術大学芸術博物館、台北、2011年/リヨン市ガダーニュ美術館、フランス、2011年)、「QUINAULT」(G/P Gallery、東京、2009年/Michael Hoppen Gallery、ロンドン、2010年/TAI modern、サンタフェ、2010年)、「風景の科学 −芸術と科学の融合−」( 国立科学博物館 、東京、2019年)など。

作品はエルメス・インターナショナル(フランス)、ケンパー現代美術館(アメリカ)、ニューメキシコ美術館(アメリカ)、フランス国立図書館(パリ)、Stichting Art & Theatre(オランダ)に所蔵されている。



Yoshihiko Ueda


Born in 1957 in Hyogo Prefecture,  After assisting Masanobu Fukuda and Taiji Arita, he established himself as an independent photographer in 1982. Since then, he has pursued a distinct and unwavering visual aesthetic, engaging with a wide range of subjects across portraiture, still life, landscape, architecture, and performance. His work, which transcends traditional categories, has received critical acclaim both in Japan and internationally.

Ueda's editorial beginnings led to a prolific career in advertising and commercial film, earning him numerous accolades including the Tokyo Art Directors Club Grand Prize, a New York Art Directors Club Award, and a Silver Lion at the Cannes Lions International Festival of Creativity.

In 2011, he founded his own exhibition space, Gallery 916. In 2014, he received the Photographer Award from the Japan Photographic Society. His directorial debut The Garden of Camellias (2021), for which he also wrote the screenplay and handled cinematography, was met with great acclaim and marked a significant expansion of his creative work into cinema.


Ueda has continued his artistic practice without interruption since launching his independent career in the early 1980s. As of 2023, he has published a total of 40 photobooks, including Quinault (Kyoto Shoin International, 1993 / Seigensha, 2003), Amagatsu (Korinsha Press, 1995), at Home (Little More, 2006), Materia (Kyuryudo, 2012), A Life with Camera (Hatori Press, 2015), Forest: Impressions and Memories, 1989-2017 (Seigensha, 2018), A Garden of Camellias (AKAAKA, 2020), Māter (AKAAKA, 2022), and Dream Always (AKAAKA Art Publishing / Jiazazhi, 2023).

Major solo exhibitions include Yoshihiko Ueda: Photographs(Tokyo Photographic Art Museum, 2003); Chamber of Curiosities (University Museum of the University of Tokyo, Tokyo, 2006, the Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei, 2011,  Musées Gadagne, Lyon , 2011); Quinault (G/P Gallery, Tokyo , 2009, Michael Hoppen Gallery, London, 2010, TAI Modern, Santa Fe, 2010); The Science of Landscape: The Fusion of Art and Science(National Museum of Nature and Science, Tokyo, 2019); and Dream Always(Gallery on the Hill, Tomio Koyama Gallery, Tokyo 2023).

His works are held in the collections of Hermès International (France), the Kemper Museum of Contemporary Art (USA), the New Mexico Museum of Art (USA), the Bibliothèque nationale de France (Paris), and Stichting Art & Theatre (Netherlands).





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 『それがやさしさじゃ困る』
  鳥羽和久(文) 植本一子(写真)
   

  Book Design:根本匠

  発行:赤々舎

  Size:
H195mm x W148mm
  Page:232 pages
  Binding:Softcover

  Published in September 2025
  ISBN:
978-4-86541-210-9
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About Book


子どもが自分でつかむまで!

大人が「わかったふり」をやめると、対話がはじまる。焦らず、 断ち切らず、観察しつづけるための視点──。学び・進路・日常相談と一年の日記から、関係がほどける瞬間を見つめる教育エッセイ。



『それがやさしさじゃ困る』は、子どもに向けられる「善意」や「配慮」が、時に子どもの心を傷つけ、主体性を奪ってしまうという逆説を、教育現場の最前線で20年以上子どもと向き合ってきた著者・鳥羽和久さんが鋭く描き出す一冊です。「失敗させまい」「傷つけまい」という大人の"先回り"が、実は子どもの可能性を閉ざしてしまう──。本書では「学校」「親と子」「勉強」「受験」といったテーマを軸に、現代教育の盲点と私たち大人が抱える不安の影を浮かび上がらせます。単なる批判にとどまらず、大人の葛藤や弱さへの眼差しがこめられているからこそ、その言葉は深く胸に響きます。

さらに本書を特別なものにしているのは、ページ下部に並走する一年間の日記の存在です。そこには、卒業生との忘れられない一瞬や、親子の関わりの奥に潜む無自覚な"デリカシーのなさ"への気づきなど、教育の現場で生まれた生の思索が断片的に綴られています。論として伝えられるエッセイと、濾過されない日々の記録が呼応し合い、本書は単なる教育論を超えた、立体的で豊かな手触りを届けてくれます。

解決策を提示する本ではありません。むしろ「間違うこと」「揺れ動くこと」を恐れず、子どもを信じて共に歩むことの大切さを、本書は静かに指し示しています。大人として迷い続ける私たちに寄り添い、伴走してくれる一冊です。

そして本書には、写真家・植本一子さんが鳥羽さんの教室やその周辺で撮り下ろした写真が栞のように差し挟まれています。子どもたちの表情や存在は、エッセイや日記で綴られる思索に呼応し、本書を照らし、「いま、ここ」の空気を手渡してくれるでしょう。




"《人生を楽しむコツは「よいこと」を大切に後まで取っておかないこと。出合ったときにつかまえること。》大人はこの瞬間を見逃さないようにだけ腐心していればよい。教育のなかに、ありもしなかった自分の黄金時代を託し、子どもらの現在を嘆くのは、子どもの芽を摘むだけ。教育のほとんどの問題は、バランスを崩した大人たちの不安から生まれる。子どもに過剰な配慮をするより、ダラしない自分を晒し、こんなのでも生きていけると見せるほうがうんといい。"

鷲田清一(哲学者)帯文より





A Kindness That Harms

Kazuhisa Toba + Ichiko Uemotonto


Conversation opens when adults let go of the pretense of understanding. This book asks us to slow our pace, to resist cutting threads too quickly, and to keep watching--patiently, attentively. Essays on learning, life choices, and everyday worries are interleaved with a yearlong diary, tracing those quiet instants when a bond loosens and returns in a new shape.

Written by Kazuhisa Toba, an educator who has spent over two decades alongside children, A Kindness That Harms illuminates a troubling paradox: the "kindness" and "consideration" adults extend can, at times, bruise a child's heart and strip away autonomy.

What makes the book singular is the diary that runs along the bottom margin of each page--fragments from the classroom: an unforgettable moment with a graduate, a sudden awareness of the unthinking indelicacies within families, thoughts caught before they harden into doctrine. In conversation with the crafted essays, these unfiltered entries lend the work a layered presence that quietly steps beyond conventional educational discourse.

This is not a manual of fixes. It points instead--gently--toward walking with children: trusting them, allowing for error, welcoming uncertainty. For adults who continue to hesitate and waver, the book offers a companionable clarity.

Photographs by Ichiko Uemoto, taken in and around Toba's classroom, appear like bookmarks slipped between pages, deepening the resonance of lived time

Text in Japanese only





Related Event



『それがやさしさじゃ困る』刊行記念トークイベント
鳥羽和久 × 石川直樹


日時:2025年10月24日(金)予定

会場:PURPLE (京都市中京区式阿弥町122-1 3F


※ 詳細近日公開





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Artist Information 


鳥羽 和久(Kazuhisa Toba)

1976年 福岡県生まれ。2002年、大学院在学中に中学生40名を集めて学習塾を開き、以後、小中高生の学びに携わり続ける。現在、株式会社寺子屋ネット福岡代表取締役、唐人町寺子屋塾長、単位制高校「航空高校唐人町」校長、及びオルタナティブスクールTERA代表。著書に『親子の手帖増補版』(鳥影社)、『おやときどきこども』(ナナロク社)、『君は君の人生の主役になれ』(ちくまプリマー新書)、『「推し」の文化論│BTSから世界とつながる』(晶文社)、『光る夏旅をしても僕はそのまま』(晶文社)、編著に『「学び」がわからなくなったときに読む本』(あさま社)などがある。


植本 一子Ichiko Uemotonto

写真家。1984年 広島県生まれ。2003年にキヤノン写真新世紀で優秀賞を受賞。下北沢に自然光を使った写真館「天然スタジオ」を立ち上げる。主な著書に『かなわない』『愛は時間がかかる』、写真集に『うれしい生活』、小説家・滝口悠生との共著『さびしさについて』などがある。主な展覧会に「アカルイカテイ」(広島市現代美術館)、「つくりかけラボ07あの日のことおぼえてる?」(千葉市美術館)。




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竹内万里子
『矛盾の海へ』
(upcoming soon)

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 上田義彦『いつも世界は遠く、
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  Book Design:葛西薫
  
  発行:赤々舎

  Size: H188mm × W210mm
  Page:768 pages
  Binding:Hardcover
 

  Published in July 2025
  ISBN:978-4-86541-198-0 


¥ 7,000+tax 

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About Book


From the Hip ── 上田義彦 40年の軌跡



本書は、上田義彦の代表作から未発表の初期作品、最新作まで、自ら現像とプリントを手がけた約580点を収録し、768ページにわたりその40年の軌跡を現すものです。 

森や家族、河、建物、標本、紙、林檎の木、ポートレート。アートや広告といった枠組にとらわれることなく、上田の一貫して真摯で鋭い眼差しは、世界に存在するさまざまなモチーフを最高の瞬間として捉え、観るものを魅了してきました。
自身を取り巻く世界の機微を敏感に察知し、対象への想いを一瞬のシャッターに込める── 「From the Hip」(英題)が象徴する、直感に裏打ちされ、偶然と必然が交差する瞬間に写し撮られた写真は、遥かな時の流れの中の切り取られた一瞬として、見る者の記憶や感情と響きあってきました。

本書の構成は、通常のレトロスペクティブの趣と異なり、一度シリーズとして発表された代表作品を撮影年順に解きほぐし、さらに上田自身の手で最新作から時系列を逆にたどるかたちで編まれました。それは上田の写真がいつも新鮮に立ち現れ、各シリーズをもう一度遥かな時間へと開いていくことを体現するものです。写真を全方位に開いていくありようのなかで、「いつも世界は遠く、」という響きは、上田の写真の魅力のひとつでもあり、写真に本質的に伴う「距離」を浮かび上がらせます。

約20年間にわたり撮影された、サントリー烏龍茶の広告写真と中国の記録「いつでも夢を」には、上田が風景と向き合うたびに感じたという「遠さ」「遥か感」が漂います。カメラという媒体が持つ特性により、懐かしさと普遍性が加わった唯一無二の写真であり、長年の時間をかけて洗練された、被写体との理想的な距離感と、全体に行き渡る空気感が美しく融合しています。
ポートレート写真もまた、上田の重要な領域です。広告写真としても多く目にする、美しく構成された背景の中に人物が慎重に配された作品から、フレームに収まりきらない接写まで、親密さと緊張感が交錯する「近くて遠い」距離感が現れています。
母・源を意味する「Māter」、被写体の輪郭を溶かすように焦点がぼかされた「M.Ganges」「M.river」、太古の森を歩き、生命の大元と対峙するように写された「Quinault」「Materia」などの作品は、はるか彼方の時間に眠るものを表出しようとする試みでした。
家族の写真から13年間にわたる記録を厳選し、妻の日記の文章が添えられた「At Home」、そして、最初期作品である学生時代の卒業制作── いずれのシリーズにおいても、上田の作品に刻まれたこれらの光の痕跡は、物理的、心理的・時間的「距離」を越えてやって来たものであり、節度や抑制とともに、そこに憧憬、希求を静かに呼び起こします。

また、旅の途上で上田が綴った未公開の日記やメモが初収録されていることも、本書の大きな魅力です。光や影、見ることの歓びについて書かれた言葉の数々は、写真の秘密へと触れようとする思索の断片として、もうひとつの軌跡を形づくっています。

上田は、自作について語るとき「奇跡」という言葉をよく使います。それは、写真という不可思議な営みが、自身の意図や行為だけで完結するものではなく、自分の外側にある要素──おそらく写真そのものが持つ偶然性や一回性、そして「距離」に大きく左右されることを知っているからかもしれません。

『いつも世界は遠く、』は、流れる時間を心から愛し慈しみ、今もなお、その遠さの向こうに世界を愛おしく見つめ続ける、上田義彦の眼差しの「旅」と言えるでしょう。
四十年の写真の軌跡は、私たちの時間と静かに響き合い、世界との出会いをあたらしくひらいてゆきます。





"写真本来の能力は、もともと全方位に開かれているのだと思う。
しかし、それを使う人、撮る人の考え方や目的や意図の力が強く働けば働くほど、その能力は限られた方向にしか開かれないのだと思う。
だから僕は、写真の前でもっともっと自由で野放図に、己の眼を開いて世界を受け入れていければと願っている。"
(p.5  手帳より)


"旅の記憶として鮮明に立ち上がってくるのは、不思議なことだが、
写真に撮れなかったことかもしれない。
写真に残せなかったこと、撮ることができなかったことを、
自動的に、記憶として網膜に焼きつけ頭に残しているのだろう。
旅のほとんどは、遙か彼方にぼんやりとして霞み、しだいに消失してゆく。
どれほど美しい景色だったのか、どれほど過酷だったのか、
自分の記憶を人に充分に伝える事はむずかしい。
しかし写真は、それを見れば、いつでも鮮明にその時間が蘇る。
だから、それを可能にしてくれる不思議な装置、カメラとともに旅をする。"
(p.244より )




寄稿:
「断念と憧憬―上⽥義彦の旅」 清⽔ 穣
「上田義彦の『遠さ』について:遥かの写真を、隔たりの地で観るまえに」 髙嶋雄一郎






From the Hip 

Yoshihiko Ueda


A photograph records a certain person on a certain day, at a certain time, in a certain place.

A few years later, or a few decades, it faithfully conveys to the viewer the moment in which it was taken, exactly as it was. The more casual, the more unplanned the photo, the more vividly it shows the situation at that moment,raw and unvarnished, even with the passing of time.

Why is this? To my mind, photographs have an innate capacity to be open in all directions.

But the more dominant the thought processes of the person using a photograph, or the person who took it, or the power of their purpose or intention, the more likely that capacity will only unfurl in a limited direction.

So when looking at a photo, I try to truly open my eyes and take in the world in a fashion more free, and unfettered. (p.5)


Bizarrely, what I remember most vividly about my travels,

may be the things I never got to photograph.

I suppose the fact that I was unable to leave something in a photo, unable to capture it,

is automatically etched on my eyeballs and in my mind.

Most of my travels fade into the mist of the past, and gradually disappear.

Transmitting one's personal memories adequately to people is difficult.

How beautiful a particular scene was, how harsh.

But the thing about photos is, all you need to do is look, and that moment comes flooding back as if it were yesterday.

Which is why I travel with a miraculous device that enables that very thing: the camera.(p.244)



Yoshihiko Ueda


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In the early summer of 2025, the photographer, Yoshihiko Ueda, will present a retrospective solo exhibition covering the entirety of his photographic journey. The stage for the exhibition is an art museum located somewhat remotely in Hayama between the sea and mountains. The town blessed with an abundant natural setting is, in fact, where the photographer lives and the location that he chooses for portrait photography and filming.

In the process of fine-tuning the content of this solo exhibition, the photographer mentioned several times how much he liked the art museum and the exhibition space. As someone who works at the art museum, this made me feel a little awkward and so I had trouble processing what he said. But after repeatedly looking over the enormous number of his photographs and pondering over his writings, I'm beginning to feel as if his photographic works and his philosophy taught me what is meant by the "distance" of the art museum and the town it is located in. And I can say now, at the risk of sounding somewhat presumptuous, that this art museum is an absolutely suitable venue for taking a retrospective look at the photographer's representative works.


One reason I came to realize this was when the photographer told me he wanted to name the exhibition "Itsumo Sekai ha Tooku, (means "The World is Always Distant," in Japanese)" Initially, it seemed poetic, as if excerpted from a passage in his writings. It seemed to differ in tone from the titles given to the large number of photobooks and exhibitions he had presented in the past. I also sensed a somewhat somber undertone in the word "distance." Now, however, it seems to me that this word is likely pointing to beliefs expressed in his photographs and the true nature of photography that deserve our renewed consideration.


On reflection, photographs are always accompanied by "distance." It is fair to say that it is this distance itself that establish- es photography as a form of expression. Unlike the artist who places paint on the canvas with a brush or the sculptor who carves wood with a chisel, direct physical interaction with the work is not an absolute requirement for artistic expression by the photographer. Distance always exists between the lens and the film, the subject and the camera (the photographer)--it is the structure of this form of expression that cannot be breached. The photograph is the trace that appears left by light that crosses the distance to shine on the photographic film the instant the photographer releases the shutter. [...]

Let me add here that "distance" in this photographer's works serves to create space that arouses emotions of aspiration and longing but also moderation and restraint in us. An example is the sense of being "far away" that he says rose to mind whenever he was confronted with landscapes in China during the twenty years beginning in 1990 when he worked on commercial photography (1990-2011, pp.571 etc) for Suntory oolong tea. Those scenes, perfected in unique photographs that take on a touch of nostalgia and universality made possible by the inherent nature of the camera as a medium, ideal distance in relation to the subject that the photographer refined over time, and the pervading atmosphere all finely integrated are a beautiful example.

The numerous portrait photographs are another remarkable part of the photographer's work. These include a large number of photographs, often seen in his advertising photography, in which persons are carefully positioned within aesthetically refined compositions and backgrounds. But there are also close-up portraits in his photograph collection Por- trait (1999-2002, pp.422-427, 446-451) and photographs of well-known persons taken in his early period (pp.643-656, 666-669, 674-677) in which the face does not entirely fit in the frame. These portraits, rather than conveying intimacy, are permeated with a sense of tension-they are close up and yet far away. [...]

I also recall a different approach to "distance" in addition to what is described above, in the series, Mäter and Study (2021, pp.43-63), in which the focus is blurred as if to dissolve the contour of the subject. The title given to the series means mother or source in Latin and the subjects chosen are such things as the sea, rivers, and the nude human body. It is an exploratory effort that diverges from his earlier works, Quinault (1991, pp.585-596)-photographs of a sacred rainforest in the entirety of its awesomely subtle shades of color and Materia (2011, pp.219-229), both of which also explore the origins of life. Ueda has presented many photographs that are focused throughout the entire image almost to the point of deep focus. However, he says that he chose to photograph this series in shallow focus with the intention of expressing landscapes in memory that sleep far beyond by blurring the reality that meets the eye. What is attempted here is a transcendence of the physical distance from the subject in front of the eye to instead reveal the psychological and temporal distance the farthest limit of what is possible for photographic expression. But the colors and tonal gradation in the photographs are even softer a delicacy that carries on and further develops Pictorialism for the contemporary age is indicative of the photographer's deep interest in the history of photography.

There is one photobook created by Ueda (and his family) that has a sense of distance unlike in any other of his works. At Home (1993-2008, pp.309-313, 370-373, 399-409, 432-441, 505-509) is a collection of photographs carefully selected from among thousands taken of his family over a period of 13 years, assembled with text from his wife's diary woven in. 

This collection is distinct from his other works because these were private photographs that had not previously been made public and also because many were taken not with a large format camera but with 35 mm film cameras such as the Ricoh GRI and a Leica M4 that was a present from his wife. [...]


Ueda often uses the word "miracle" when speaking of his works simply from his awareness that perfection of the expressive medium that is the photograph is not achieved solely by his intentions and actions alone, but is also largely influenced by factors "outside" of himself. The spontaneity and singularity inherent to the photograph itself and perhaps also the "distance" it possesses may account for this in part.  [...]

Yes, "From the Hip," and what follows are more than six hundred photographs chosen with great care for inclusion in the photobook. Or the seaside museum where they are displayed. I sincerely hope that many people will come to enjoy this quiet town within its beautiful natural surroundings together with the landscapes and scenes that photographer Yoshihiko Ueda has gazed on from a distance.



Excerpts from the text "On Yoshihiko Ueda's "Distance": 

Before Viewing Photographs of What is Far Away from Places of Distance" 

 Yuichiroh Takashima(Chief Curator, The Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama)




Special gift for the first customers 


小社HP先着ご購入者さまに、直筆サイン入り ポストカード(サイズ:H208mm × W148mm)を、特典としてお付けしてお届け致します。先着300枚限定、無くなり次第終了とさせて頂きます。

(※赤々舎もう一冊、りんご通信など、その他の特典は付きません

One signed postcard will be given away as a Special gifts for the first customers.The offer will end while supplies last.




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Related Exhibiton



上田義彦 写真展「いつも世界は遠く、」


会期:2025年7月19日(土)~2025年11月3日(月・祝)

時間:9:30 〜 17:00

会場:神奈川県立近代美術館 葉山

(神奈川県三浦郡葉山町一色2208-1) 

 

月曜休館(7月21日、8月11日、9月15日、10月13日、11月3日を除く) 



同時開催:上田義彦「FLOWERS」
会期:2025年8月23日(土)~2025年9月6日(土)
小山登美夫ギャラリー六本木


同時開催:上田義彦「Beside Time 光に宿る記憶」
会期:2025年8月21日(木)~2025年9月15日(月祝)
OFS.TOKYO



『いつも世界は遠く、』は各展覧会場にて、特別先行発売中です。(数に限りあり。会場のご購入には、サイン入りポストカートは付きません)






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Artist Information


上田義彦 


1957年生まれ、兵庫県出身。写真家、多摩美術大学教授。福田匡伸・有田泰而に師事。1982年に写真家として独立。以来、透徹した自身の美学のもと、さまざまな被写体に向き合う。ポートレート、静物、風景、 建築、パフォーマンスなど、カテゴリーを超越した作品は国内外で高い評価を得る。またエディトリアル ワークをきっかけに、広告写真やコマーシャルフィルムなどを数多く手がけ、東京ADC 賞最高賞、ニューヨークADC賞、カンヌグラフィック銀賞はじめ、国内外の様々な賞を受賞。

2011年に自身のスペースGallery 916を主宰。2014年日本写真協会作家賞を受賞。また、初めて監督、脚本、撮影を務め2021年に公開された、映画『椿の庭』は大きな反響を呼び、映画監督としての仕事も注目されている。


作家活動は独立当初から継続し、2023年までに40冊の写真集を刊行。主な写真集に『QUINAULT』(青幻舎、1993年)、『AMAGATSU』(光琳社出版、1995年)、『at Home』(リトル・モア、2006年)、『Materia』(求龍堂、2012年)、『A Life with Camera』(羽鳥書店、2015年)、『FOREST 印象と記憶 1989-2017』(青幻舎、2018年)、『椿の庭』(赤々舎、2020年)、『Māter』(赤々舎、2022年)、『いつでも夢を』(赤々舎、2023年)などがある。

主な個展に「上田義彦『Photographs』」(東京都写真美術館、2003年)、「Chamber of Curiosities」(東京大学総合研究博物館、2006年/国立台湾芸術大学芸術博物館、台北、2011年/リヨン市ガダーニュ美術館、フランス、2011年)、「QUINAULT」(G/P Gallery、東京、2009年/Michael Hoppen Gallery、ロンドン、2010年/TAI modern、サンタフェ、2010年)、「風景の科学 −芸術と科学の融合−」( 国立科学博物館 、東京、2019年)など。

作品はエルメス・インターナショナル(フランス)、ケンパー現代美術館(アメリカ)、ニューメキシコ美術館(アメリカ)、フランス国立図書館(パリ)、Stichting Art & Theatre(オランダ)に所蔵されている。



Yoshihiko Ueda


Born in 1957 in Hyogo Prefecture,  After assisting Masanobu Fukuda and Taiji Arita, he established himself as an independent photographer in 1982. Since then, he has pursued a distinct and unwavering visual aesthetic, engaging with a wide range of subjects across portraiture, still life, landscape, architecture, and performance. His work, which transcends traditional categories, has received critical acclaim both in Japan and internationally.

Ueda's editorial beginnings led to a prolific career in advertising and commercial film, earning him numerous accolades including the Tokyo Art Directors Club Grand Prize, a New York Art Directors Club Award, and a Silver Lion at the Cannes Lions International Festival of Creativity.

In 2011, he founded his own exhibition space, Gallery 916. In 2014, he received the Photographer Award from the Japan Photographic Society. His directorial debut The Garden of Camellias (2021), for which he also wrote the screenplay and handled cinematography, was met with great acclaim and marked a significant expansion of his creative work into cinema.


Ueda has continued his artistic practice without interruption since launching his independent career in the early 1980s. As of 2023, he has published a total of 40 photobooks, including Quinault (Kyoto Shoin International, 1993 / Seigensha, 2003), Amagatsu (Korinsha Press, 1995), at Home (Little More, 2006), Materia (Kyuryudo, 2012), A Life with Camera (Hatori Press, 2015), Forest: Impressions and Memories, 1989-2017 (Seigensha, 2018), A Garden of Camellias (AKAAKA, 2020), Māter (AKAAKA, 2022), and Dream Always (AKAAKA Art Publishing / Jiazazhi, 2023).

Major solo exhibitions include Yoshihiko Ueda: Photographs(Tokyo Photographic Art Museum, 2003); Chamber of Curiosities (University Museum of the University of Tokyo, Tokyo, 2006, the Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei, 2011,  Musées Gadagne, Lyon , 2011); Quinault (G/P Gallery, Tokyo , 2009, Michael Hoppen Gallery, London, 2010, TAI Modern, Santa Fe, 2010); The Science of Landscape: The Fusion of Art and Science(National Museum of Nature and Science, Tokyo, 2019); and Dream Always(Gallery on the Hill, Tomio Koyama Gallery, Tokyo 2023).

His works are held in the collections of Hermès International (France), the Kemper Museum of Contemporary Art (USA), the New Mexico Museum of Art (USA), the Bibliothèque nationale de France (Paris), and Stichting Art & Theatre (Netherlands).





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 高木こずえ『pool』
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  Book Design:刈谷悠三 + 角田奈央 / neucitora

  発行:赤々舎

  Size:
H208mm x W154mm
  Page:112 pages
  Binding:Swiss binding with double-leaf pages

  Published in June 2025
  ISBN:978-4-86541-205
-5
¥ 4,500+tax 

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お支払い方法は、PayPal、PayPay、Paidy
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About Book


青に浮かぶ無時間の風景

月日を超えた、もうひとつの写真のあり方


写真という概念に対して常に新たな問いを投げかけてきた高木こずえ。表現に先んじて技法を選ぶのではなく、その都度、意図に即した手法を探りながら制作を重ねてきた高木が、本作で取り組んだのは、19世紀に発明された古典的写真技法「サイアノタイプ」──いわゆる青写真である。

紫外線に反応する薬品を塗布した紙に像を焼きつけるこの技法は、通常は太陽光で感光させる。高木はそこに独自の操作を加えた。
月光のもと、長時間露光で撮影したイメージをデジタルネガとして出力し、それをサイアノプリントの紙に重ね、改めて太陽光に晒す。夜の光で捉えた像が、昼の光によって定着されるという、時間と光の層を織り込み相対するようなプロセス。ひとつの像のなかに複数の時が共存する。
月と太陽、夜と昼、陰と陽。異なる性質の光が交錯する中で立ち上がるのは、「いま、ここ」の瞬間を超えた、もうひとつの写真のあり方である。


"できあがった写真には、月の光と日の光をあびた青い風景がうかぶ。月光と日光が同時にある。月と日は、月日、つまり時間。月が出て、沈んで、日が出て、沈んで。そのくり返しが時間なのだとしたら、月と日が現れも消えもせずただそこにある写真のなかに、時間はない。時間そのものであり、無時間。時で満ちみちて、時をもたない写真。"(高木こずえ)


対象を記録する装置としての写真ではなく、光の記憶を媒介し、変換の痕跡を引き受ける器としての写真。
わたしたちの見るということが、そこに揺らぎながら浮かび上がる。





pool

Cozue Takagi 


I assumed that the moon in the photograph was the sun. When I found out that it wasn't the sun but the moon, a vague picture of sunlight and moonlight together rose in my mind.

Cyanotype, invented in England in the 19th century, is a classic technique for creating images known for the beautiful blue tones produced. I decided to apply this technique that emerged in the dawn of photography, using the light of the sun to print photographs taken in the light of the moon.

As the full moon approached and nights grew brighter, I would go out to photograph, choosing places that artificial light didn't reach to set up my tripod. On it, I mounted a 6×9 medium format camera loaded with negative film, opened the shutter, and exposed the film to the moonlight for anywhere from a few dozen seconds to a few dozen minutes. Then I developed the film, scanned it, transferred the scanned images to a computer, and printed out inverted images on digital negative film. I placed the film over washi paper coated with cyanotype solution that had been left to dry, then sandwiched the film and washi paper between two glass plates and exposed it to sunlight during the day. The surface of photographic paper exposed to sunlight changes from yellow to green, then blue, gold, and finally a pale pink. When this reaction was complete, I placed the paper in water to develop the image and soaked and rinsed it out several times for half a day to remove any remaining chemicals.

What appears in the finished photographs are blue landscapes and scenes that have been bathed in moonlight and sunlight. Moonlight and sunlight share the same space. The moon and the sun-the two together-create a cycle that is synonymous with time itself. The moon rises and sets, the sun rises and sets. If this repetition constitutes time, then in photographs where the moon and the sun neither appear nor disappear, time does not exist. They are time itself, and yet timeless. They are photographs infused with time but without time.





Related Exhibitons



高木‬ こずえ 個展「pool


会期:2025年5月16日(金)~6月14日(土)

時間:11:00〜19:00

会場:TARO NASU東京都港区六本木6-6-9ピラミデビル4F

日月祝み






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Artist Information 


高木 こずえ‬ 

1985年 長野県生まれ。東京工芸大学芸術学部写真学科卒。2006年に「insider」でキヤノン写真新世紀グランプリ受賞、森山大道賞受賞。2009年にVOCA展 府中市美術館賞受賞。2010年に第15回信毎選賞受賞、写真集『MID』『GROUND』(共に赤々舎刊)で第35回木村伊兵衛写真賞受賞。2015-2016 公益財団法人ポーラ美術振興財団在外研修員としてアメリカに滞在。2018年より長野県にて制作、活動をしている。

主な個展に、「プラネタリウム」(JINS東京本社、東京 2024)、「プレリュード」(TARO NASU、東京 2019)、「鏡と穴-彫刻と写真の界面」(ギャラリーαM、東京 2017)「琵琶島カレイド/AKAAKAサーカス vol.5」(赤々舎、東京 2013)、「高木こずえ写真展-SUZU-」(諏訪市美術館、長野 2012)、「SUZU」(TARO NASU、東京 2012)、「MID / GROUND」(東京工芸大学・写大ギャラリー  東京 2010)、「第35回木村伊兵衛写真賞受賞作品展 高木こずえ「GROUND」「MID」」 コニカミノルタプラザ ギャラリー、東京 2010)他、多数。

主なグループ展に、「もんぜん千年祭2025」(善光寺、長野 2025 )、「信州の美術いま・むかし 菱田春草から高木こずえまで」(長野県信濃美術館・他、長野 2017)、「諏訪 この土地と人へのまなざし」(諏訪市美術館、長野 2014)、「In between」(taimatz、東京 2014)「木村伊兵衛写真賞35周年記念展」(川崎市市民ミュージアム、神奈川 2010)、「Fragmented Emotions」(Blindspot Gallery、香港 2010)「VOCA展2009 現代美術の展望―新しい平面の作家たち」(上野の森美術館、東京 2009)、「DAEGU PHOTO BIENNALE 2008」(大邱、韓国 2008)、「写真新世紀 2006」(東京都写真美術館、他 2006)他、多数

諏訪市美術館(長野)、
府中市美術館(東京)、川崎市市民ミュージアム(神奈川)、東京工芸大学(東京)、長野県信濃美術館(長野)、amana photo collection(東京)などに作品が収蔵されている。



Cozue Takagi 


Born in 1985 in Nagano, Japan. She graduated from Tokyo Polytechnic University with a B.A. in Photography in 2007. 
In 2006, she won the Grand Prize at the New Cosmos of Photography (Canon), marking her debut with the series insider. Her subsequent recognitions include the Fuchu Art Museum Prize at VOCA 2009, the 15th Shinmai Select Award, and the 35th Kimura Ihei Memorial Photography Award in 2010 for her photobooks MID and GROUND (both published by AKAAKA).
From 2015 to 2016, she participated in an overseas research program in the United States as a grantee of the Pola Art Foundation. Since 2018, she has been based in Nagano, Japan, where she continues her artistic practice.

Her major solo exhibitions include Planetarium (JINS, Tokyo, 2024), Prelude (TARO NASU, Tokyo, 2019), Mirror Behind Hole - Photography into Sculpture (gallery αM, Tokyo, 2017), Biwajima Kaleido / AKAAKA Circus vol.5(AKAAKA, Tokyo, 2013), SUZU (Suwa City Museum of Art, Nagano, 2012), MID / GROUND (SHADAI GALLERY, Tokyo Polytechnic University, Tokyo, 2010), and The 35th Kimura Ihei Memorial Photography Award Exhibition - GROUND / MID (KONICA MINOLTA Plaza Gallery C, Tokyo, 2010), among others.

Her selected group exhibitions include Monzen Millennium Art Festival 2025 (Zenkoji Temple area, Nagano, 2025), From Shunso Hishida to Cozue Takagi: Contemporary and Historical Art in Shinshu (Nagano Prefectural Shinano Art Museum and other venues, Nagano, 2017), Suwa: Perspectives on Place and People (Suwa City Museum of Art, Nagano, 2014), In between (taimatz, Tokyo, 2014), 35 Years of the Kimura Ihei Award (Kawasaki City Museum, Kanagawa, 2010), Fragmented Emotions (Blindspot Gallery, Hong Kong, 2010), VOCA 2009 - The Vision of Contemporary Art (The Ueno Royal Museum, Tokyo, 2009), DAEGU PHOTO BIENNALE 2008 (Daegu, Korea), and New Cosmos of Photography 2006 (Tokyo Metropolitan Museum of Photography, 2006), among many others.

Her works are included in the public collections of Suwa City Museum of Art (Nagano), Fuchu Art Museum (Tokyo), Kawasaki City Museum (Kanagawa), Tokyo Polytechnic University (Tokyo), Nagano Prefectural Shinano Art Museum (Nagano), and amana photo collection (Tokyo), among others.





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